Koro müziğinin kökeni ve tarihi nedir? Rönesans, Barok dönem, klasik ve romantik dönemlere ait koro müziği tanımı, bilgileri.
KORAL MÜZİK, ses aralığına göre birkaç bölüme ayrılmış, her bölüm vokal partisyonunun bir satırını söyleyen bir grup şarkıcı için müziktir. Geleneksel ses aralıkları soprano ve alto (yüksek ve alçak kadın sesleri) ve tenor ve bas (yüksek ve alçak erkek sesleri) şeklindedir. Bazı koro çalışmaları enstrümantal eşlik gerektirir; diğerleri a capella söylenmek üzere yazılmıştır. Bazı koro müzikleri yalnızca kadın sesleri veya yalnızca erkek sesleri için puanlansa da, çoğu koro çalışması, dört bölümün tümünü birleştiren karma bir koro veya koro (Yunanca korolardan, bir grup ilahiden) gerektirir. Her vokal hattının birçok birleşik ses tarafından söylenmesi, koro müziğini vokal topluluğu müziğinden ayırır”, burada her vokal hattı sadece bir kişi söyler.
Koro müziği, 15. yüzyıldan itibaren her dönemde, Batı dünyasının hemen her ülkesinde ve hemen hemen her büyük besteci tarafından yazılmıştır. Şarkı söyleyen toplumların büyümesinin laik koro çalışmalarına yeni bir talep yarattığı 19. yüzyıla kadar neredeyse her zaman kiliseyle yakından bağlantılıydı. Günümüzde kilise korolarının yanı sıra amatör koro toplulukları ve daha küçük profesyonel korolar da bulunmaktadır. Bu gruplar, geçmiş yüzyıllardan, çoğu hâlâ keşfedilmemiş olan muazzam bir koro müziği kütüphanesini miras alıyorlar; ve bu hisse çağdaş besteciler tarafından sürekli olarak eklenmektedir. Batı kültüründe gelişen bu müziğin çeşitli tarzlarını ve amaçlarını icracıların ve dinleyicilerin anlaması esastır.
4. yüzyılın başlarında, düz şarkı (daha sonra Gregoryen ilahisi olarak anılacaktır) Hıristiyan kilisesinin tek müziği olduğunda, şarkıcı grupları (scholae) cemaat için çok zor olan ilahileri söylemek için korolar olarak eğitilmeye başlandı. Büyük kilise ve manastırlarda koro okulları (scholae cantorum) kuruldu.
9. yüzyılın bestecileri, paralel beşte veya dörtte düz şarkının ardından bir vokal hattı ekleyen organum adı verilen bir polifonik müzik formu geliştirdiler. Organum giderek daha karmaşık hale geldi ve koro tarafından söylenen tek sesli ilahiye canlı karşı melodiler ekleyen solo sesleri bir araya getirdi. Bu eğilim, Paris’teki Notre Dame okulunun iki bestecisi – Léonin (12. yüzyılın sonu) ve Pérotin (12. yüzyılın sonu ve 13. yüzyılın başı) ile doruğa ulaştı ve sonunda Philippe de Vitry (1291-1361) ve Guillaume de Machaut’un motiflerine yol açtı. (c. 1300-c. 1377). Machaut’un Notre Dame Kütlesi (1364), tek bir besteci tarafından Ayinin Olağan’ın bilinen ilk ayarıdır. Ortaçağ laik müziği (Fransız chanson ve İtalyan caccia) gibi bu çok sesli müziğin çoğu, genellikle enstrümanlarla desteklenen her bölümde bir ses için tasarlandı.
Kaynak: pixabay.com
RÖNESANS
15. Yüzyıl.
15. yüzyılın başlarında, katedraller, kiliseler, kolejler ve kraliyet şapelleri, müziklerinin mükemmelliği konusunda birbirleriyle yarışan Fransa ve İngiltere arasında dolaşıyordu. Sonuç, her bölümde iki veya daha fazla şarkıcıyla gerçek koro müziğinin gelişmesiydi. En ünlü besteciler Burgonya okulundan Gilles Binchois (c. 1400-1460) ve Guillaume Dufay (c. 1400-1474) ve İngiliz okulundan Lionel Power (ö. 1445) ve John Dunstable (ö. 1453) idi. Dunstable ve Power besteleri ilk önce müzikal olarak birleşik kitleler oluştururlar ve çeşitli hareketler bir düz şarkı melodisi (cantus Firmus) üzerine kuruludur. Ayrıca bu sırada İngiliz ilahisi, solistlere yönelik mısralar ve koro için nakarat (yük) içeren çok sesli bir biçim haline geldi.
15. yüzyılın sonlarında, aralarında John Browne, Walter Lambe, Richard Davy ve Robert Wilkinson’ın da bulunduğu bir grup İngiliz besteci ortaya çıktı. Büyük, çok sesli ve teknik olarak zorlayıcı kompozisyonları, vokal kısımlarda norid bir stil ve zengin bir ayrıntı zenginliği kullanır. Bu eserler koro müziğinde erken bir zirveye işaret ediyor.
15. yüzyıl Flaman okulunun önde gelen bestecileri Jean d’Okeghem (c. 1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505) ve Josquin Després (c. 1450-1521) idi. Josquin’in 24 kütlesi ve kabaca 100 motifi, harika netlik, denge ve ifade gücüne sahip dört sesli yazı sergiler.
16. Yüzyıl.
Katolik Kilisesi sanatın baş koruyucusu olduğu için, 16. yüzyılın en yaygın koro biçimleri kitleydi (Ordinary’nin değişmez metinleri için beş hareketten oluşan bir set biçimi: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus ve Agnus Dei) ve motet, Kutsal Yazılardan veya ayinlerden kelimelerle daha kısa bir çalışma. Korolar genellikle 20’den az erkek sesinden oluşuyordu. (18. yüzyıla kadar kadınların kilise korolarına katılmasına izin verilmiyordu.) Koro sesi yoğun değildi; bunun yerine netlik ve dengeyi vurguladı. Korolar, Ayin kutlamaları ve sekiz kanonik saat için günlük olarak müzik sağladı.
16. yüzyılın başlarındaki İngiliz besteciler arasında John Taverner (c. 1495-1545), John Redford (öldü 1547), Robert Fayrfax (1464-1521), William Cornyshe (c. 1465-1523) ve Christopher Tye (c. 1500) vardı. -c. 1573). Bu adamların hepsi çok sayıda kitle ve motif yazdı.
16. yüzyılın ikinci yarısındaki müzik liderliği, bir Romalı Giovanni Palestrina’nın (c. 1525-1594) en önemli besteci olduğu İtalya’ya aitti. Eserleri ideal litürjik tarzın en üstün modelleridir: ölçülü, dengeli müzik, güzel melodiyi, armoniyi ve ritmi ustaca harmanlayan. Palestrina, 105 kütle ve yaklaşık 500 motetten oluşuyordu; Altı sesli Missa Papae Marcelli (yaklaşık 1560) onun en ünlü eseridir.
Venedik, bir müzik merkezi olarak Roma’dan sonra önemli bir yer tutuyordu. Venedik müziği okulu, özellikle San Marco Bazilikası’nda etkili olan bir antifonal puanlama biçimi geliştiren ve bir Venedik uzmanlığı haline gelen Adrian Willaert (c. 1490-1562) ile başladı. Bu form Andrea Gabrieli (c. 1520-1586) tarafından daha da geliştirildi ve muhteşem motifleri In ecclesiis’i içeren Giovanni Gabrieli (c. 1554-1612) tarafından doruk noktasına getirildi. Genç Gabrieli, polikoral aranjmanlarını bağımsız enstrümantal parçalarla destekleyerek çok çeşitli müzikal renkler sağladı.
16. yüzyılın sonlarında İngiliz besteciler, yeni Anglikan Kilisesi ayinleri için İngilizce metinlerle müzik yazmak gibi özel bir görevle karşı karşıya kaldılar. Thomas Tallis (c. 1505-1585) motifleri basit, kordal bir tarzda yazdı. 1550’de John Marbeck (c. 1510-c. 1585), Book of Common Prayer için heceye bir nota tarzında müzik sağladı. Motet, Anglikan törenlerinde Thomas Morley (1557-1602) ve Orlando Gibbons (1583-1625) tarafından geliştirilen marşla kademeli olarak değiştirildi. Gibbons 17. yüzyıla kadar aktif olmasına rağmen, müziği genellikle 16. yüzyıl stilini takip ediyor.
Aynı şey , İngiltere Kilisesi, Katolik Kilisesi müziği ve birçok laik ve enstrümantal eser için ayinler ve marşlar yazan, belki de tüm İngiliz bestecilerin en büyüğü olan çok yönlü William Byrd (c. 1543-1623) için de geçerlidir. Byrd’ın Great Service ve üç kitlesi (sırasıyla üç, dört ve beş ses için) çağın klasikleri arasındadır. Ave verum corpus da dahil olmak üzere Latin motifleri, cesur, duygusal yazma konusundaki dehasını gösterir.
Rönesans laik müziğinin en popüler biçimleri chanson ve madrigal, bir şarkıcının bir parçası için puanlanan topluluk müziğiydi. Fransız chansonunun en önemli bestecisi Claude Le Jeune’dir (1528-c. 1600). Elizabethanlar, özellikle Morley, Gibbons ve Byrd, küçük vokal toplulukları tarafından oda performansı için birçok madrigal yazdı. İtalya’da metinleri için genellikle romantik şiir kullanan madrigal, 16. yüzyılın başlarında Philippe Verdelot (yaklaşık 1550’de öldü), Costanzo Festa (1490-1545) ve Jakob Arcadelt (c. 1505-c. 1567) tarafından rafine edildi. . İtalyan madrigalinin en büyük ustaları, aynı zamanda birçok motif yazan Cipriano de Rore (1516-1565); 1.200 madrigal yazan Philippe de Monte (1521-1603); 17 madrigal kitabında kelime boyamanın ustaca kullanıldığını gösteren Luca Marenzio (c. 1553-1599); ve Carlo Gesualdo (c. 1560-1613),
Rönesans koro müziği, Flaman besteci Roland de Lassus’un (c. 1532-1594) eserinde en yüksek noktasına ulaştı. İtalyan madrigalinin ve Fransız chanson’un ustası olan Lassus, aynı zamanda 53 mevcut kütle ve yaklaşık 500 motetten oluşuyordu. Eserlerinde kuzey ve güney Avrupa unsurlarını, zamanının dini ve seküler etkilerini bir araya getirerek tüm Rönesans müzik dünyasını bütünleştirdi. Eşsiz motifleri arasında, ölümünden sonra 1604’te yayınlanan Tövbe Mezmurları yer alır.
16. yüzyıl, koro müziğinin gelişiminde büyük bir doruğa işaret ediyor, her bir ses çizgisi bağımsız ve toplam etki için önemli. Enstrümanlar genellikle seslerle birlikte kullanılmış, vokal sesi tamamlayıcı ve bağımsız parçalar çalınmıştır.
Kaynak: pixabay.com
BAROK DÖNEMİ
17. Yüzyıl.
Kompozisyonun baskın formu olan koro müziği, bu dönemin başında opera ve enstrümantal müzikle değiştirildi. Motetlerin ve kitlelerin eski tarzda yazımı devam etti, ancak yeni opera tarzı, tiyatro müziğinde olduğu gibi kutsal müziğe de nüfuz etti ve dönüştürdü. Buna rağmen, barok dönem müzisyenleri eski polifonik stili özellikle “kutsal” olarak görmüşler ve bilinçli olarak onu yeni homofonik teatral tarzdan ayırmışlardır.
Kariyeri Rönesans’ın sonunu ve Barok’un başlangıcını kapsayan Claudio Monteverdi (1567-1643), sert polifonik stili 17. yüzyılın tüm yeni teknikleriyle birleştirdi. Modern, yaratıcı ve etkileyici müziği çok sesli ayinleri, muhteşem mezmur sahnelerini, birçok solist madrigal kitabını ve belki de en büyük eseri olan Vespers’i (1610) içerir.
Giacomo Carissimi (1605-1674) ilk olarak koroyu oratoryoda önemli bir unsur olarak kullandı, 17. yüzyılın başında geliştirilen bir form. Carissimi, özellikle Jephtha ve Jonah oratoryolarında koroyu dramatik bir şekilde kullandı. Onun usta koro yazımı, Handel ve diğer besteciler için bir model olarak hizmet etti.
17. yüzyılın en büyük Alman Protestan kilisesi bestecisi olan Heinrich Schütz (1585-1672), ilk madrigaller kitabında ve operası Daphne’de (1627) İtalyan ve Alman üsluplarını birleştirdi. hayatının geri kalanı. Sesler ve enstrümanlar için Venedik tarzında yazılmış olan Psalms of David (1619) adlı eseri, büyük özgünlükle ayırt edilir; Diriliş Öyküsü (1623); ve Yedi Son Söz (yaklaşık 1645). 1666’da, kariyerinin sonunda, Schütz, St. Luke, St. Matta ve St. John İncillerinden en eski Lüteriyen bestecilerin refakatsiz tarzında, çoğunlukla canlı ve dramatik olan solo resitatifler olmak üzere üç Tutku ortamı besteledi. korolar. Bu dönemin diğer Alman bestecilerinin çoğu için koro, Protestan kilise müziğinin odak noktasıydı.
Kuzey Almanların en büyüğü, 1668’den ölümüne kadar Lübeck’teki St. Mary Kilisesi’nin orgcusu olan Danimarka doğumlu Dietrich Buxtehude (1637-1707) idi. Buxtehude’nin seküler ve kutsal deyimlerdeki ustalığını gösteren büyük ölçekli besteleri, Handel ve JS Bach gibi bestecileri Lübeck’e çeken bir dizi Advent konseri olan Abend-musiken’de icra edildi. Buxtehude’nin karakteristik eserleri arasında polifonik tarzda Missa Brevis, Venedik tarzında Benedicam Dominum ve hayatta kalan 124 kantasından biri olan In dulci jubilo yer alır.
Fransa’da, başta opera yazarları olan Jean Baptiste Lully (1632-1687) ve André Campra (1660-1744), solist, koro ve orkestra için gerçekten kantat olan motetler bestelediler. Carissimi’nin bir öğrencisi olan Marc Antoine Charpentier (1634-1704), dramatik koro kullanımıyla Judicium Salomonis gibi eserlerde oratoryo formunu Fransa’ya tanıttı. François Couperin (1668-1733), incelik, tatlılık ve zarafet taşları olan eşlik eden motifler yazdı. Zamanının en seçkin Fransız kilise müzisyeni Michel Richard de Lalande (1657-1726), Dixit Dominus da dahil olmak üzere 42 moteti ile Lully geleneğini sürdürdü. Lalande’nin heyecan verici, parlak stili Handel’i bekliyor.
Restorasyondan sonra (1660) İngiliz müziğine Pelham Humphrey (1647-1674), John Blow (1648-1708) ve Henry Purcell (1659-1695) hakim oldu. Erkekler ve oğlanlardan oluşan katedral koroları için yazan bu besteciler, “tam” marşı (tamamen bağımsız eşliksiz koro için) ve “ayet” marşını (bağımsız eşlikli solo seslere ayrılmış bölümlerle) geliştirdiler. 1679’dan ölümüne kadar Westminster Abbey’in orgcusu olan Purcell, operalar, tören müziği, Latin motifleri ve derin sekiz bölümlü Hear My Prayer’dan (yaklaşık 1681) neşeli Rejoice in the Lord Alway’e kadar çok yönlü bir besteciydi. yaklaşık 1683).
Bach ve Handel.
18. yüzyıl, neredeyse bilinen her müzik türünün ustası olan Bach ve Handel tarafından yönetildi. Johann Sebastian Bach (1685-1750), barok dönemin tüm tekniklerini ve stillerini birleştirdiği kilise müziğinde mükemmeldi. Bach’ın Leipzig’deki St. Thomas Kilisesi’ndeki Lutheran Pazar ayinlerindeki performanslar için yazılmış, günümüze ulaşan kutsal kantatları yaklaşık 200’dür (100 kadarı kaybolmuştur).1723’ten 1750’ye kadar kantordu. Aryalar, koraller, resitatifler, orkestral sinfoniler ve koroları içeren kantatalar, muazzam bir teknik ve ifade yelpazesini kapsar. Bach ayrıca bir Magnificat (1723), bir St. John Passion (1723), bir Si yazdı. Matthew Passion (1729), birkaç yıl boyunca yazılmış büyük B Minor Mass ve genellikle çift koro için düzenlenmiş birkaç motif. İki tutku, lirizm ve dramanın birleşimiyle, yazıldıkları dini amaçları aşar. Mendelssohn’un 1829’da St. Matthew Tutkusu’nu yeniden canlandırması, müzik dünyasına nüfuz etmiş olan Bach kültünü başlattı.
Esas olarak bir opera bestecisi olan George Frideric Handel (1685-1759), bir dizi ara sıra eser yazdığı İngiltere’ye (1712) yerleşmeden önce Almanya ve İtalya’da eğitim gördü. Bunlar solo sesler, koro ve orkestra için bayram marşlarıydı: Utrecht Te Deum (1713), Chandos Anthems (1716-1718), Wedding Marşı (1736), Queen Caroline için Cenaze Marşı (1737) ve Dettingen Te Deum (1743) ).
1738’den 1752’ye kadar, Handel, büyük opera yeteneğini, Oruç sırasında tiyatroda gösterilmesi amaçlanan İncil’e dayalı metinlerle oratoryolar yazmaya yöneltti. Bunlar esas olarak eğlence eserleriydi, dini veya ayin müziği değil. Biçimleri, resitatifler, aryalar, uyumlu sayılar, enstrümantal aralar ve korolar içeren operadan uyarlanmıştır; ayırt edici unsur, baskın koro katılımıydı. Mesih (1742), Judas Maccabaeus (1747), Susanna (1749) ve Theodora (1750), Eski Ahit, Yeni Ahit ve Apocrypha’dan alınan metinlere dayanmaktadır; diğer hatipler metinlerini yalnızca Eski Ahit’ten alır ve Saul (1739), Samson (1742), Joseph (1744), Belshazzar (1745) ve Jephtha (1752) içerir.
Handel’in evrensel olarak popüler oratoryosu olan Mesih, dramatik olmaktan çok resimsel ve adanmışlık olması bakımından diğer oratoryolarından farklıdır. İlk kez 1742’de Dublin’de, koroda yaklaşık 40 şarkıcı ve benzer büyüklükte bir orkestra ile sunuldu. Messiah daha sonra Londra’da verildiğinde, konu, eğlence için fazla dini kabul edildiğinden, soğukkanlılıkla karşılandı. Yine de Messiah, Mozart da dahil olmak üzere sonraki müzisyenlerin zenginleştirilmiş orkestrasyonla “iyileştirme” yönündeki yanlış çabalarına rağmen, tüm zamanların en büyük bestelerinden biri olmaya devam ediyor.
KLASİK VE ROMANTİK DÖNEMLER
Haydn ve Mozart.
18. yüzyılın ikinci yarısının en büyük iki bestecisi Haydn ve Mozart, ağırlıklı olarak enstrümantal müzikle ilgilendiler; ama aynı zamanda çoğunlukla Katolik Kilisesi için çok sayıda koro müziği yazdılar. Bu müzik artık kilise ayinleri için fazla teatral ve operatik kabul ediliyor ve sadece konserlerde icra ediliyor.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), altısı erken dönem eserleri ve diğer altısı olgun başyapıtlar olmak üzere 12 kitle yazdı. İlk kitleler lirik ve çekici ama özellikle kişisel değil. Daha sonra, daha az geleneksel kitleler Haydn dramatik, sıklıkla çok sesli bir tarzda yazdı. Savaş Zamanında Ayin olarak da adlandırılan Paukenmesse (Davul Ayini; 1796), “Agnus Dei”de trompet ve timpaninin olağanüstü kullanımı nedeniyle böyle adlandırılmıştır. Lord Nelson’ın Nil Savaşı’ndaki zaferinin onuruna adlandırılan Nelson Kütlesi (1798), nefesli çalgılar olmadan ilginç bir orkestrasyon kullanır; çok güçlü koro müziği içerir. Theresienmesse (1799), Yaratılış Kütlesi (1801) ve Harmony Kütlesi (1802), solo ve koro yazımı karışımıyla etkileyici eserlerdir.
1791-1792’de ve yine 1794-1795’te Haydn Londra’yı ziyaret etti. Orada Handel’in oratoryolarından ilham aldı ve Viyana’ya döndükten sonra parlak orkestrasyon, etkileyici aryalar ve muhteşem korolarla dramatik bir oratoryo olan Yaratılış’ı (1798) besteledi. Doğanın güzel taklitleri onu Haydn’ın en popüler eseri yapmıştır. Haydn’ın diğer büyük ölçekli koro çalışması ve son büyük eseri olan Mevsimler (1801), dört bölüme ayrılmış dünyevi bir metne sahiptir: İlkbahar, Yaz, Sonbahar, Kış. Naif sahne resmi, daha sonraki bestecilerin romantik yazılarına işaret ediyor.
Wolfgang Amadeus Mozart’ın (1756-1791) kilise parçalarının çoğu, küçük ölçekte (genellikle dört solo ses, oda orkestrası ve koro için) yazılmış erken dönem eserleridir. Mozart’ın kutsal eserleri arasında Salzburg’da yazılmış 17 ayin vardır, bunların arasında büyük Coronation Mass (1779). Ayrıca dört ayin, iki takım Vesper mezmurları ve muhteşem Ave verum corpus (1791) dahil olmak üzere birçok motif yazdı.
Mozart en büyük iki ayinini, C Minor Kütlesini (1782) ve Requiem’i (1791) asla tamamlamadı. C Minor Mass muhtemelen Mozart’ın Salzburg’daki ilk performansından önce diğer kitlelerin hareketleriyle doluydu. Ancak Mozart’ın tamamladığı bölümler litürjik olmayan bir performans için yeterlidir. Requiem’in sadece ilk iki bölümü Mozart tarafından tamamlandı, ancak geri kalanın yaklaşık yarısını vokal notasında yazdı. Bu materyal, üç bölümden de oluşan arkadaşı Franz Xaver Siissmayr tarafından düzenlendi. Mozart’ın ilk iki hareketinin sonunda tekrarlandığı Requiem’in toplam etkisi, etkileyici ve güzel, bestecinin ölüme dair tefekkürünü dokunaklı bir şekilde ifade ediyor.
Beethoven ve Schubert.
19. yüzyılın başlarında koro müziğinin en iyi bestecileri Beethoven ve Schubert idi. Öncelikle orkestra ve oda müziği bestecisi olan Ludwig van Beethoven (1770-1827), önemli koro müziği de yazdı. Litürjik kullanım için görevlendirilen C’deki Kütle (1807), klasik formları yeni ve dramatik etkilerle birleştirir. BeethovenÇeşitli kantatlarında, Zeytin Dağı’ndaki İsa oratoryosunda (1801) ve koro, piyano ve orkestra için Fantazi Korosu’nda (1808) derin kişisel inançlarını geliştirdi. Beethoven’ın başyapıtı Missa Solemnis (1823), seslerin ve enstrümanların eksiksiz bir karışımını başarır: enstrümantal eşlikli bir koro çalışması değil, koro ve orkestranın eşit olduğu bir eserdir. Beethoven’ın Dokuzuncu Senfonisinin (1824) Neşeye Övgü finalinde de kullandığı bu teknik, büyük bir güç ve ifade eseriyle sonuçlanır. Değişen derecelerde başarı ile yeniden üretmeye çalışan sonraki birçok besteciye ilham verdi.
Beethoven gibi , Franz Schubert (1797-1828), 18. yüzyılın klasik geleneğini 19. yüzyıl romantizminin yeni özellikleriyle birleştiriyor. Schubert, hem laik hem de kutsal olan çok sayıda koro müziği yazdı. Daha 18 yaşındayken bestelediği G (1815) kütlesi, samimi ve çekici. Schubert, olgunluğunda iki büyük ölçekli kütle yazdı, bunlardan Mass in A Flat (1819-1822) daha başarılıydı. Melodi ve güzel armoni açısından zengin olan bu eser, onun kutsal metni en kişisel şekilde ele alışıdır.
Daha sonra Romantik Besteciler.
Uzun zamandır kilise ve katedral korolarının bir eyaleti olan koro müziği, 19. yüzyılda İngiltere, kıta Avrupası ve Amerika Birleşik Devletleri’ndeki koro topluluklarının büyümesiyle kapsamını genişletti. Bu gelişmenin çoğu, 19. yüzyıl bestecilerinin en popüleri olan Felix Mendelssohn‘a (1809-1847) aittir. Mendelssohn, laik metinlerle kantatların yazılmasına öncülük etse de, onun en büyük iki koro eseri kutsal hitabetlerdir. St. Paul (1836) güzel bir eserdir, ancak Mendelssohn’un müzik ve dramayı güzel bir şekilde birleştirdiği İlyas’ın (1846) dramatik hareketinden yoksundur.
Hector Berlioz (1803-1869), büyük korolar ve dev bir orkestra gerektiren muazzam ve muhteşem müzikal efektlerde uzmanlaştı. Daha çok Requiem olarak bilinen Mass for the Dead (1837) ve Te Deum (1849) mükemmel ve orijinal koro müziği içerir. Berlioz ayrıca nazik, şiirsel ve pastoral bir çekicilikle dolu L’enfance du Christ (1854) adlı bir oratoryo yazdı.
19. yüzyılın sonlarının seçkin koro bestecisi Johannes Brahms (1833-1897) idi. Brahms, Alman Requiem’inde (1868) lirik üslubu senfonik üslupla kaynaştırdı. Ayrıca koro ve orkestra için daha kısa eserler ve Bach’ın stilinin bilinçli bir şekilde taklit edilmesiyle birkaç a capella motifi besteledi.
Anton Bruckner’in (1824-1896) Te Deum (1884) ve F Minor Mass (1890), yerli Avusturya Katolikliğinin renkli bağlılığını yansıtıyor. Giuseppe Verdi’nin (1813-1901) Ağıtı (1874) bir deha eseridir, dini ifadeden ziyade kişisel bir ifadedir. Antonin Dvorak (1841-1904) öncelikle bir koro bestecisi olmasa da, Stabat Mater (1877), Requiem (1890) ve Te Deum (1892) lirik güzellik ve samimi ifadelerle doludur. Gustav Mahler (1860-1911), Diriliş Senfonisi (1894) ve Senfoniler No. 3 (1896) ve No. 8 (1907), koro müziğini koro müziğine dahil ederek Beethoven örneğini takip eden birçok bestecinin en başarılısıydı. senfonik eserler.
Kaynak: pixabay.com
YİRMİNCİ YÜZYIL
Avrupa.
Arnold Schonberg (1874-1951), Igor Stravinsky, Paul Hindemith (1895-1963) ve Bela Bartok (1881-1945) dahil olmak üzere bir dizi Avrupalı besteci, ikonoklastik yöntemleri ve devrimci fikirleri koro müziğine tanıtarak, koro müziğine önemli eklemeler yaptı. repertuar. Çalışmalarının çoğu deneysel olduğundan, halk genellikle onları kabul etmekte yavaştı.
Ancak, bazı Avrupalılar muhafazakar bir tarzda yazdılar. Bunlar arasında, Kutsal Ayininde (1930-1933) bir Yahudi ayin metni bulunan İsviçreli besteciler Ernest Bloch (1880-1959) ve birkaç kutsal oratoryo yazan Frank Martin vardı.
Koro alanında 20. yüzyılın önde gelen bestecilerinin çoğu İngiliz’dir. Ralph Vaughan Williams’ın (1872-1958) seçkin koro eserleri arasında Deniz Senfonisi (c. 1905-1910), refakatsiz Mass in 6 Minor (1922) ve mistik oratoryosu Sancta Civitas (1926) yer alır. Gustav Hoist (1874-1934), İsa’nın İlahisi (1917), Birinci Koro Senfonisi (1923-1924) ve bir Koro Fantazisi (1930) ile koro için çeşitli ilahiler besteledi. William Walton’ın en dikkate değer koro çalışması, oratoryo Belshazzar’s Feast’tir (1929-1931). Çeşitlilik, özellikle Carols Seremonisi (1942), Saint Nicholas kantatı (1948) ve Savaş Ağıtı (1962) gibi Benjamin Britten’in eserlerinde belirgindir. Diğer çağdaş İngiliz koro bestecileri Edmund Rubbra, Michael Tippett, Peter Racine Fricker, Anthony Milner ve John Joubert’dir.
Fransa’dan Arthur Honegger (1892-1955), dramatik oratoryosu King David (1921), operası Judith (1926) ve oratoryosu Joan of Arc at the Stake (1934-1935) ile dünya çapında beğeni topladı. Diğer Fransız besteciler modern koro literatürüne muazzam katkılarda bulundular: Darius Milhaud, 30’dan fazla koro eseriyle, Gabriel Faure (1845-1924), dingin ruhani Requiem Mass’la (1887) ve Francis Poulenc (1899-1963). mükemmel motifleri, refakatsiz Mass (1937), Stabat Mater (1937) ve Gloria (1959).
Kıtalı bestecilerin koro eserleri, sıklıkla türkü kullanımı yoluyla ulusal özellikleri ifade eder. Leos Janacek’in (1854-1928) Glagolitik Ayini (1926) onun Slav mirasını ifade eder ve Zoltan Kodaly’nin (1882-1967) Psalmus Hungaricus’u (1923) belirgin bir şekilde ulusaldır. Sovyet koro müziği, Sergei Prokofiev’in (1891-1953) Alexander Nevsky (1938) gibi vatansever temalı kantatları içerir.
Avusturyalı dizi bestecisi Anton Webem (1883-1945), üç önemli kantat yazdı. Bir Alman olan Carl Orff, ritmik perküsyon efektlerine özel vurgu yaparak son derece bireysel bir tarzda yazılmış, isteğe bağlı sahneleme ve dans içeren bir kantat olan Carmina Burana’yı (1936) besteledi. İtalya’dan Luigi Dallapiccola ve Goffredo Petrassi’nin kayda değer koro besteleri geldi.
Amerika Birleşik Devletleri.
Amerika Birleşik Devletleri’nde II. Dünya Savaşı’ndan sonra koro müziğine büyük bir ilgi gelişti. Amerikan koro müziği, tür ve kalite olarak muazzam bir aralığı kapsar ve çoğunun kalıcı değeri henüz yargılanamaz. Charles Ives (1874-1954), 20. yüzyılın başında en cesur bestecilerden biriydi. Koro müziği, daha sonra geliştirilen birçok tekniğin habercisi oldu ve çoktonluluğu izleyicileri şok etmeye devam ediyor. Önemli çağdaş koro bestecileri arasında halk şarkısı, caz, 12 ton tekniği ve polifoni gibi farklı vurgularla çeşitli stiller kullanan Virgil Thomson, Randall Thompson, Aaron Copland, William Schuman, Alan Hovhaness, Norman Dello Joio ve Daniel Pinkham bulunmaktadır. Müziklerinin kapsadığı geniş teknik ve ifade yelpazesi, onu ülkelerinin ruhunu temsil ediyor.
